Sabato 4 febbraio incontro con DEBORA BARNABA “Visioni del Vuoto: Varese”_Ed. Arterigere
Interviene Sandro Iovine  Direttore de “Il Fotografo”.

“La città che ritrae Barnaba non è la Varese di tutti, non è quella del visitatore e nemmeno di chi la abita e la percorre abitualmente, ma un punto di vista del tutto soggettivo. Ha una dimensione intimistica, racconta la malinconia, la solitudine, sentimenti normali fatti di contraddizioni, gioie, amori, luoghi carichi di significati, di fantasmi personali, tristezze che appartengono all’artista ma anche a tutti quelli che hanno la volontà di osservare le immagini che ci consegna”. (Riccardo Crespi)

Il programma sembra estremamente interessante e le foto, fatte circolare sui vari “social”, dell’installazione legata al primo evento mostrano un notevole impiego di mezzi al servizio di un’idea che mescola vari linguaggi. Imperdibile per chi lamenta l’assenza di eventi di arte contemporanea di qualità nell’area metropolitana.

“Firenze says” riflette sulla capacità di autodeterminazione dei singoli e sulla volontà di espressione e opposizione che sottende l’azione di scrivere sui muri le parole del dissenso e della protesta. Senza assumere una posizione in merito ai messaggi dichiarati nelle scritte, senza esprimere un giudizio di carattere politico o morale, Abbate mette in rilievo il valore dell’azione: una alterazione del silenzio, vale a dire la manifestazione di dissenso da parte di “persone che, colma la misura, hanno qualcosa da dire, e che hanno scritto e scriveranno  ancora sui muri, che non hanno orecchie, ma che si ritrovano d’un tratto ad avere bocca e mente, idee e rabbia”.

“Firenze says” è la voce di una città nascosta e trasversale, una città che rivendica la propria presenza con caparbietà, sfidando le operazioni di ‘ripristino del decoro’ che periodicamente imbiancano i muri cittadini. Notoriamente gli statement sui muri non recano firme individuali, al massimo una sigla che dichiara l’appartenenza a un raggruppamento politico o ideologico. Negli scatti che lo ritraggono mentre mima l’azione di scrittura, l’artista presta un volto e una gestualità agli anonimi autori. La sua presenza non si appropria di un’azione, ma ne è il completamento e indica il bisogno di un’assunzione di responsabilità individuale. C’è, infine, un certo impulso all’archiviazione, alla sottrazione all’oblio di quella storia sociale secondaria scritta sui muri e poco amata dalle autorità.

Adalberto Abbate, nato nel 1975 a Palermo, dove vive e lavora, conta tra le mostre più recenti le personali “TUTTO DA RIFARE” (Fondazione Brodbeck, Catania, 2011) e “RIVOLTA” (Galleria Francesco Pantalone- Palermo, 2010); ha partecipato alla “Biennale di Alessandria”, e alle collettive “Archive Fever” presso galleria S.A.C.S. Museo Riso C/O Frigoriferi Milanesi, Milano; “Wunsch Ordnung”  alla Ausstellungsraum Klingental di Basilea; “Italian History X”, Sala Gatti, Viterbo; “La forma della relazione”, Fabbrica del Vapore, Milano; “VAF- Stiftung 19472010, percorsi riscoperti dell’arte italiana” Museo Mart Rovereto, Rovereto; “A rendezvous in Berlin”, 91mQ Art Project Space, Berlino; “Wunsch Ordnung”, Temporary Museum, Chiesa dei Crociferi, Palermo; “theWall (archives) #4, Archiviazioni, Lecce (nel 2011) e “Sweet Sheet moves to Modica“ Palazzo della cultura , Modica (RG); “La Scultura Italia del XXI Secolo”, Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano; “PPS- Paesaggio e Popolo della Sicilia” , Museo Riso Arte Contemporanea, Palermo; “Videocards/ The artist’s thoutght “, C.O.C.A., Center of contemporary arts, Modica (nel 2010).

da mercoledì 25 gennaio a venerdì 2 marzo 2012

Lunedi – Venerdi 10:00 – 21:00

Ingresso libero

SRISA Gallery of Contemporary Art – Santa Reparata International School of Art

Via San Gallo 53r, 50129 Firenze

055 4627374 – info@santareparata.org – www.santareparata.org/gallery/gallery_home.html

La serata prevede la degustazione di cinque tè in foglia giapponesi:
- Bancha
- Sencha Extra Premium Wazuka
- Shincha Gyokuro Wakana BIO
- Houjicha Kaori Fumi
- Genmaicha Hanafubuki
accompagnata dall’assaggio di confetti tipici giapponesi al tè Matcha lavorati a mano e altre delizie artigianali dell’ottima cucina di Brac.

La partecipazione è gratuita.
È richiesta obbligatoriamente l’iscrizione, fino ad un numero massimo di 25 persone.

Per informazioni e prenotazioni:
www.libreriabrac.net / info@libreriabrac.net
www.insiemeate.net / acilia@insiemeate.net
Tel. 0550944877

Martedì 10 gennaio alle ore 18.00, presso la Libreria Brac di Firenze, tornano gli appuntamenti di

Il libro:  Un ferroviere ligure che da cinquant’anni costruisce uno smisurato presepe fatto con materiali di recupero. Un muratore messinese che trasforma la sua baracca in una casa dei sogni tra mosaici ed elefanti di cemento. Un contadino sardo che modella una donna di quindici metri fatta di colla e reti da pollaio… Sono questi i «costruttori di Babele»: artisti irregolari che hanno realizzato – fuori o ai confini dell’ufficialità e del mercato dell’arte – un proprio universo immaginario. Storie affascinanti e inconsuete di «immaginazione abusiva» affidate a differenti ricercatori che si misurano sul racconto delle loro imprese, sul paesaggio in cui nascono, sul destino di quei fragili universi.

Gli autori: Gabriele Mina, insegnante e ricercatore in antropologia, vive a Savona. Si è occupato, attraverso pubblicazioni e progetti multimediali, dei rituali del tarantismo mediterraneo, della storia del corpo e della rappresentazione del diverso, dell’arte irregolare. Ha pubblicato, fra gli altri saggi, Giovanni Marro – Francesco Toris, Ossessioni. Un antropologo e un artista nel manicomio di Collegno (Besa 2009) ed Elephant Man. L’eroe della diversità (Le Mani 2010).

Il volume comprende i saggi di: Cristina Calicelli (esperta di arti irregolari, si è occupata in particolare degli atelier creativi presenti nelle strutture psichiatriche); Luisa Del Giudice (antropologa e studiosa del folklore presso la University of California, dirige l’Italian Oral History Institute di Los Angeles); Eva Di Stefano (docente di Storia dell’arte contemporanea presso l’Università di Palermo, dirige l’Osservatorio Outsider Art); Bruno Montpied (massimo esperto dei luoghi e delle espressioni “fuori norma” in Francia, ha approfondito i rapporti fra arte marginale e situazionismo); Daniela Rosi (coordina il centro Outsider Art per l’Accademia di Belle Arti di Verona); Bianca Tosatti (storica dell’arte, è fra i pionieri dello studio dell’arte irregolare, di cui è considerata a livello internazionale uno dei massimi esperti); Roberta Trapani (membro fondatore del Collettivo di riflessione attorno all’Art Brut, si occupa di spazi visionari contemporanei).

Scripta è un programma di appuntamenti, con cadenza mensile, da settembre a maggio, sull’editoria dedicata alla critica e all’analisi dei linguaggi artistici: quelle parole che, di là dal visibile, dalle mostre e dalle biennali, compongono il pensiero contemporaneo. Scripta propone libri in cui le parole alimentano il dibattito, e non si limitano a descrivere o commentare quanto già presente al pubblico; la selezione dei titoli, infatti, per lo più non comprende cataloghi di mostre o monografie, ma prevede in prevalenza saggi, volumi tematici, importanti traduzioni di autori stranieri, raccolte di interviste e approfondimenti: una porzione di industria libraria meno in vista, rivolta più all’approfondimento che alla facile divulgazione, faticosamente e coraggiosamente promossa da case editrici secondo le quali i  libri non sono eventi.

Vaclav Pisvejc è nato a Praga nel 1967 dove ha studiato all’Akademia Vytvarneho Umeni. Ha vissuto a lungo tra gli USA e l’Inghilterra esponendo in numerose gallerie.

Dal 2007 vive e lavora in Italia. Hanno scritto di lui:

“Personalità sognante, Pisvejc crea spontaneamente, senza calcolare, attingendo dalla vita reale per catturare l’essenza del momento e dare poi forma a una realtà tutta interiore e personale. Anche un occhio meno esperto riesce a cogliere quanto il gesto e la materia pittorica, attraverso le quali Vaclav Pisveic si esprime, siano di matrice marcatamente espressionista.
La sua pennellata passa ora scabra e veloce, ora grassa e insistita dando luogo a quella scomposizione deformante che colpisce corpi e volti. Volti che sono dipinti sul retro delle tele, sul rovescio del supporto normalmente utilizzato dall’artista. Rovesciare la tela significa infatti rovesciare uno schema formale, e quello che ne esce non è mai solo un ritratto, ma è quasi sempre un autoritratto, nel senso di un’emozione, di un ricordo stratificato ma ancora vivo, che emerge dall’inconscio come l’acrilico che gli dà colore”.

Il libro: Il lavoro del critico d’arte è, secondo Rosalind Krauss, un inventario che va in perpetuo riscritto, ora attualizzando idee e interpretazioni alla luce delle strade che via via l’arte contemporanea imbocca, ora aggiornando il significato delle opere di cui si tratta.In questi saggi, sparsi lungo tre decenni di studio e di militanza e accolti dall’autrice in rubriche dai titoli significativi (La condizione postmediale, Medium, Critica d’arte, Apostata, Informe, Il soggetto del segno), Rosalind Krauss ricostruisce il proprio percorso di critica d’arte e ripensa in particolare quella che lei stessa ha definito “condizione postmediale”, l’abbandono cioè da parte dell’arte contemporanea della centralità modernista del medium. Così come per Jean-François Lyotard la condizione postmoderna è nata dalla fine dei “grandi racconti”, per la Krauss la condizione postmediale è un ulteriore addio all’idea di coerenza. Il grande racconto dell’arte contemporanea è finito quando l’Arte concettuale e altri movimenti artistici hanno rinunciato alla specificità del medium, giustapponendo immagine e testo nella stessa opera. Secondo questa lettura, i momenti e i temi della fine del modernismo – Cubismo, Surrealismo, Minimal Art, Arte concettuale, Strutturalismo, la linea, il monocromo, l’“oggetto specifico”, il video – illuminano per contrasto il lavoro degli artisti che cercano di reinventare il medium attraverso l’uso di «strani nuovi apparati», spesso presi a prestito dalla cultura commerciale, e che sono i protagonisti di questo libro: Ed Ruscha, Christian Marclay, William Kentridge, James Coleman.

Rosalind Krauss: è professore alla Columbia University di New York. Tra le sue opere: The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (The MIT Press, Cambridge Mass. 1985); Celibi (Codice, Torino 2004); eL’arte nell’era postmediale (Postmedia Books, Milano 2005). Per Bruno Mondadori sono state tradotte Teoria e storia della fotografia (1996); Passaggi. Storia della scultura da Rodin alla Land Art (1998); L’informe (con Yve-Alain Bois, 2003); Reinventare il medium. Cinque saggi sull’arte d’oggi(2005) e L’inconscio ottico (2008)

Elio Grazioli: insegna Storia dell’arte contemporanea e Teoria e storia della fotografia all’Università degli Studi di Bergamo e Storia dell’arte contemporanea presso l’Accademia di Belle Arti di Bergamo. Dirige con Marco Belpoliti il semestrale monografico “Riga”. Ha curato per la Bruno Mondadori i volumi di Rosalind Krauss: Teoria e storia della fotografia (1996); Passaggi. Storia della scultura da Rodin alla Land Art (1998), L’informe. Istruzioni per l’uso(2003), L’inconscio ottico (2008). Presso lo stesso editore ha pubblicato Corpo e figura umana nella fotografia (1998),Arte e pubblicità (2001), La polvere nell’arte (2004) e Ugo Mulas (2010).

Scripta è un programma di appuntamenti, con cadenza mensile, da settembre a maggio, sull’editoria dedicata alla critica e all’analisi dei linguaggi artistici: quelle parole che, di là dal visibile, dalle mostre e dalle biennali, compongono il pensiero contemporaneo.

Scripta propone libri in cui le parole alimentano il dibattito, e non si limitano a descrivere o commentare quanto già presente al pubblico; la selezione dei titoli, infatti, per lo più non comprende cataloghi di mostre o monografie, ma prevede in prevalenza saggi, volumi tematici, importanti traduzioni di autori stranieri, raccolte di interviste e approfondimenti: una porzione di industria libraria meno in vista, rivolta più all’approfondimento che alla facile divulgazione, faticosamente e coraggiosamente promossa da case editrici secondo le quali i libri non sono eventi.

Mercoledì 7 dicembre alle ore 18

Il Libro: L’arte contemporanea trova albergo a Firenze?

In sé sarebbe semplice dare una risposta, basta tracciare una x sul sì o sul no, eppure il quesito è tuttora irrisolto, per quanto il no si mantenga come un costante sottofondo, un mugugno accorato che qualche ragion d’essere senza dubbio ce l’ha.
Ma le cose stanno veramente solo così? E poi: si può trovare soluzione a questo rebus?
Attraverso una lettura insolita e muovendo dal fatto che Firenze è attraversata da un fiume, questo libro ci mostra una realtà dell’arte differente dal luogo comune, magari imprevista, sicuramente ricca.
Semeraro esplora una Firenze dove l’arte contemporanea è ben viva nel tessuto della città.

Giandomenico Semeraro (Firenze, 1959) è docente di Storia dell’arte contemporanea presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Per Barbès Editore ha pubblicato “Parola d’Artista” (2009) e per Accademia dell’Iris ha pubblicato “Diari d’arte” (2011).